작품세계


  • 大自然의 交響曲, 形象과 이미지 抽象 돋보여

    김남수/미술평론가 (2007)

    자연과 인관관계는 우주의 신비만큼이나 무한하고 영원하다. 인간과 자연은 상생의 원리 속에 무한한 공존을 하면서 역사를 만들어 가고 있다. 자연과 인간의 묵시적인 언어를 추상 표현주의 양식으로 視覺化 하는 형상과 이미지야 말로 시공을 초월한 추상주의 예술의 진수요, 극치라고 할 수 있다. 본시 추상주의의 출현은 인간의 꿈과 욕망을 성취하기에는 미흡한 폐쇄된 사각의 공간(캔버스) 안에서 표현의 한계와 돌출의 욕구, 무한한 공간으로 飛翔하려는 열망 등 그 정신주의가 싹트면서 새로운 예술양식으로 자리 잡기 시작한 것이다. 이렇듯 형상과 이미지로 만들어 내는 메타포적인 은유법, 이 모든 형상과 이미지의 편린들은 암호나 기호, 혹은 형상화(形象化)등 축쇄(縮刷)와 확산의 예술양식으로 창조적인 기법과 방법론을 모색하기 시작한 것이 바로 김두례 예술의 진면목이 아닌가 싶다. 한마디로 작가만의 개성주의가 극명(克明)한 자기언어를 만들어 가고 있는 것이다. 그의 작품의 이러한 경향들은 새로운 조형질서를 예술로 승화 시키려고 하는 작가의 집념과 자구적인 노력이기도 하며 이 화면을 통하여 전달되는 메시지나 형상, 이미지들은 무언으로 항변하는 작가의 절규요, 주장이기도 한 것이다. 유폐된 공간에서 탈출하려고 하는 작가의 몸부림과 강열한 욕구는 또 다른 세게로 비상(飛翔)하려고 하는 자생적인 노력이 아닌가 싶다. 상술한 조형요소들의 집약과 응축 등 작가의 畵意는 一元二氣論的인 우주질서에 순응하려는 懇求이기도 하며 그래서 그는 평면의 원색의 畵布위해 끝없는 대화와 묵시적인 영혼을 불어 넣고 있는지도 모른다. 작가의 조형욕구는 번득이는 着想力과 창조적인 발상에서 비롯된 것은 아닌가. 그는 이미 무수한 질문을 던지면서 숱한 예술양식을 깊고 넓게 섭렵을 해왔다. 자연과 무언으 교감을 시도하면서 대자연 속의 파노라마, 코리아 판타지를 연주해온 그는 긴 여정의 울림 속에 인간의 진솔한 삶을 협주해 온 것이다. 최근 10년 동안의 그의 회화의 변화주기를 보면 2000년대 초 그가 집중적으로 탐색했던 누드화는 그의 회화수업기의 한 때를 꽃 피웠던 白眉로 꼽히기도 했다. 전신상으로서의 관능적인 요염한 여인의 나상 보다는 누드의 한 부위에 포커스를 맞추어 집중적인 탐색을 하는 등 훨씬 고차원의 예술성을 추구했다는 점이 긍정적인 평가로 주어지고 있으며, 2003년도의 추상표현주의 양식의 변화는 누드가 데포르메한 즉 비정형한 왜곡된 모습으로 옷을 갈아입은 인물로 탈바꿈하는 등 엄청난 변주를 가져왔다. 색동과 무지개, 오방색인 코리아 판타지로의 극적인 변화라고나 할까. 서양화가 민병각씨는 ‘無相의 表現에서 抒情的 自我의 表象으로’ 라는 題下의 전시평문의 글에서 (중략)

    ‘작가는 구상적인 작품에서도 그러했듯이 지난 귀국전에서는 여성적인 부드럽고 따사한 색감에 대비한 과감한 화면처리 등이 더욱 신선하게 보이는 비정형의 작품을 선 보였는데 이번에는 더 한층 서정적인 색채의 화면에 자화상, 어린이, 마을, 자연풍경 등 내재된 자아의 형상을 상징적으로 표출하고 있다. 이들은 단아한 색면(簡輅하게 點綴된)들의 바탕에 순수 조형언어에 의한 감상적 표상으로 우리들에게 더욱 정감 어린 상상을 자아내개 한다’ 라고 호평을 하고 있다. 화가의 눈에 비친 심미안이라고 할까, 매우 좋은 느낌을 갖게 하는 글이다. (중략)



    현대미술이 선진국의 영향을 받아 그 경계가 무너지고 크게 부상하고 있는 것이 오늘의 추세다. 뉴욕을 비롯한 가깝게는 중국이나 아시아 지역 등이 최근 추상 표현주의의 붐으로 각광을 받고 있는 것이 사실이다. 그러나 작가 김두례는 그러한 양식에 편승하기 보다는 구상에서 추상주의로 회귀하고져하는 정신주의와 취향 때문이라는 것이 솔직한 고백이다. 다시말해 이즘이나 추세, 경향 따위와는 전혀 무관하다는 것이 솔직한 심정이라고 토로한다. 그에게 이러한 변화가 오기 시작한 것은 최근 뉴욕생활에서 원로 선배님의 영향을 크게 받은 것이 변화의 모티브가 아니었나 지금도 생각하고 있다.



    그는 최근 자전적인 에세이의 한 구절에서 이렇게 말하고 있다. “언제부터인가 남도의 향기가 마냥 좋았다. ‘길은 외줄기, 남도 삼백리…’ 그 시 구절을 입에 되 뇌이며 살았고 한달에 2~3번 훌쩍 고흥으로, 해남 땅 끝 마을로 순천 선암사로 바람 맞으며 다닌 지가 어언 30년. 난 태초부터 내 몸에 남도의 모든 것이 묻혀있었을 것이다. 대학 1학년 때 우연히 목우회 공모전에 냈는데 선배나 조교 등은 모두 떨어지고 내가 우연히 입상을 하니 그 때부터 나에겐 주홍글씨가 붙어 다녔다. ‘쟤는 아버지 덕분일거야, 아버지가 봐 주었을 거야’ 하는 등 구설수에 올랐다. 세상이 다 알지만 우리 아버지의 그림에 관한 이론은 탁월하지만 자식에 대한 무관심은 주변에서 뒷이야기로 회자될 만큼 알려진 사실이다. 당시 아버진 내가 목우회에 그림을 내는지, 어떤 그림을 출품하는지 등은 관심 밖이었다. 그때 난 스스로에게 다짐했다. 결코 난 아버지의 그림을 닮지 않으리라. 아버지의 그림은 혼자서 족한 것이지 또 다른 아버지의 그림이 있어서는 안되거니와 그 분에게도 욕이 되지 않을까 생각했다. 아버지는 아프리카의 여인 등 인물은 즐겨 그렸지만 결코 누드는 그리지 않았다. 결국 난 5번째 개인전 때까지 누드만 그렸다. 영문 모르는 아버진 왜 누드만 고집하느냐고 했지만 이때까지 전시회에는 순 누드만 그렸고 6번째부터 옷 입는 여인들과 풍경 등을 그리기 시작했다. 대학 졸업 후 아버지랑 작업을 같이 해 본적이 한번도 없는데 나에겐 아버지의 색채가 진하게 묻어있다. 단색조의 현란한 원색에 매료되었기 때문이다. 역시 무의식과 의식의 한계는 없는가하는 야릇한 감정이 가슴을 짓눌렀다. 벌써 11번째 개인전에 접어들었다. 양식상의 변화도 극명하고 그림이 변하고 바뀐 만큼 내 마음은 한결 영글어가고 있는 느낌이다.



    2002~2003년부터 풍경이 색으로 집약되기 시작하더니, 이젠 색도 최소한으로 縮約되고 극과 극인 보색들로 화면을 메꾸기 시작했다. 주로 쓰는 땅 색은 붉은 주황빛(누드 때도 내 살빛은 늘 주황빛이었다), 숲은 초록, 수확철의 논은 황금색등 자연을 단순화시켰다. 황금벌판에 뱀 같은 논길, 붉은 황토 흙더미 사이에 실날 같은 아스라한 길들, 비포장 길 위에 먼지 뽀얀 및 속에 옹기종기 내려앉아 있는 동네들 -. 내 머릿속은 온통 풍경뿐이다.” 라고 술회하고 있다. 詩語처럼 절규하는 작가의 문장력이 뛰어나다. “뉴욕에서 김보현 선생님이 하신 말씀이 생각난다. ‘너 인물 참 좋더라, 색이 네 것으로 익었어. 근데 아직도 모델을 보고 그림을 그리니?’ 당시만 하더라도 모델을 보지 않고 그린다는 것은 상상도 못했다. 그 말씀은 나에게 큰 충격이었다. 한마디로 피사체를 보지 말고 가슴으로 토해 내라는 뜻이었다. 난 행운아다. 부모님 내외가 미술인이요, 나도 그림을 그리기 때문이다. 앞으로 내 그림이 또 바뀔지는 모르지만 큰 화폭에 점이나 선 하나로 집약되는 그런 그림을 그리고 싶다. 이번 대작전이 나에겐 새로운 출발의 기점이 되지 않을까 싶다. 자연으로 돌아가고 싶은 내 꿈이 실현되길 기대해 본다.” 라고 작가는 심금을 토로하고 있다.


    작가 김두례의 추상주의 양식은 구상을 기조로하여 태동한 새로운 회화세계의 출현이라 할 수 있다. 한 때 빛과 색채의 인상주의 화가로 공인 받아 높은 평가를 받았던 부친이 구상회화의 최후의 보루로 우리 군단을 올곧게 지키고 있는 화단의 원로요, 산 증인이라고 한다면 그의 따님인 작가 김두례가 추상주의 회화 양식으로 선회한 것은 예술양식의 공존이라는 의미에서 관찰할 때 큰 충격이면서 고무적인 현상으로 받아들여진다. 한마디로 현대미술사조에 동참하는 개혁의 의미가 있다고 여겨진다. 작가 김두례의 진로에 새로운 지평이 열리길 기대해 본다.



  • A Symphony of Nature, outstanding abstract expression of forms and images

    Written by Kim, Nam Soo / Art Critic (2007)

    The relationship between Nature and human are limitless and everlasting just as the universe. Human and nature are living in the principle of limitless coexistence making the history. Forms and images that visualize the implicative language with the pattern of abstract expressionism are the essence and highest reach of abstraction. When it comes to the appearance of abstract, such spirits as desire to go beyond the limitation of closed square space(canvas), which is insufficient to achieve dreams and cravings of human, and fly above to the limitless space resulted in the new artistic style. In other words, the metaphor expressed with forms and images, and the small pieces started to seek the creative techniques and methods in the embodiment of reduction and spread of passwords, symbols, which is the very core of Durye Kim’s art.
    In short, the unique individualism of the artist is making the outstanding language of her own. Such tendencies in her works result from the deep attachment and effort to sublime the new formative order into art, and the messages, forms, and images conveyed through the screens are exclamation and insistence of the artist to resist without a word. The writhing and strong desire to escape from the closed space seems to result from the effort to fly into another world. The meaning of paintings expressed with accumulation and condensation of specific formative elements includes the sincere hope to adapt herself to the other of the universe, in which the theory of two universal spirits from one origin, and this seems to be the reason why she consistently tried to inspire the endless conversation and implied soul into the plain of paper. It might be that her desire for formation results from the brilliant conception and creative ideas. Having been raising a number of questions, she mastered various artistic styles deeply and thoroughly.



    Attempting wordless communication with nature, she has performed the panoramic fantasy of Korea in nature, and played the music of honest life in the long itinerary of booming. When it comes to the changing cycle of her painting works in the past decade, nude paintings she sought in early 2000’s were regarded as the best in her lessons for painting. Rather than a nude figure of a sensual, charming woman, she focused on a certain body part, which is regarded as pursuing a high level of art and thus evaluated positively. In 2003, the changes in her abstract expressionism style was huge in transforming the nude painting style into deformer, or distorted forms. It would be proper to call it a dramatic change into rainbow-striped, colorful Korea fantasy. Byeonggak Min, a Western style painter, in her exhibition critique under the theme, ‘Form the expression of nihility to representation of the emotional ego,’ stated, ‘the artist, as in the formative works, presented atypical works with feminine, mild, worm colors in contrast to drastic screen treatment in the last exhibition. This time, she symbolically represents the implied ego image in the self-portrait, children, town, landscape, etc. in the canvas of more emotional colors. Such features are representation of emotions through the pure formative languages based on the graceful colors(simplified in general), which makes us bring up more emotional imagination.’ The appreciative eye is well reflected in this very impressive words.



    Today, modern art is rising to the surface, and the border is vague under the influence of advanced countries. Abstract expressionism is emerging in such Asian countries as China as well as New York. However, artist Durye Kim, rather than taking advantage of the trend, tries to pursue her taste and spirit for abstraction with concreteness at the back. In other words, she admits that her work is not related to the common trend or tendency today. It seems that this change to her life started while she was in New York and affected by one of her seniors.
    In her recent biographical essay, she started this:
    I don’t know since when I started to like the fragrance of Nam-do. “One lonely road, Nam-do three hundred miles” I recalled the verse almost every moment two or three times a month, it has been 30 years since I started to go around Goheung, Haenam the edge of the Korea, Suncheon Seonam-sa, etc. It seems that I was born with everything of Nam-do. When I was a freshmen in college, I participated in an context exhibit. Seniors and even the assistant professor all failed, but I happened to win a prize. Thereafter, I was branded with a ‘scarlet letter.’ People said “all because her father is behind her, her father is helping him “Everybody knows that the theory of my father as for painting is excellent, but his indifference in his well known. In time, my father even did not know whether I participated in Mokuhwe exhibition with what painting. So I determined that I would never let my painting take after his. His paintings are his own, and there is no need to put them in others’ place or to bring dishonor to him in any way.
    He enjoyed painting African women, but never painted a nude. After all, I stopped painting nudes by the time when I held the 5th exhibition. My father wondered why I insisted to paint nudes which not be sold, but in time, I was painting only nudes, and finally from the 6th exhibition, I started to paint women in clothes and landscape. After graduating from college, I have never worked with my father, but his color is still deeply carved in my works, which is because I was fascinated by his single but brilliant primary colors. I was oppressed by the subtle feelings about whether there is a border between unconsciousness and consciousness. I had the 11th private exhibition already. As the styles and paintings have been changed, I feel like my heart has been a lot more nature.



    Since 2002~2003, the landscape in my paintings to be limited to colors, and the colors too are summarized to the least. Now the complementary colors are falling the canvas. The color that I usually use for the earth is red orange (used also when I paint skins in nudes), green for forests, and gold for rice fields in the harvesting season, which shows that I simplify nature with colors. Snake-like narrow road in golden rice fields, faint roads in the heap of red, yellow soil, towns gathered close to each other in hazy light near the unpaved road –all within my head are landscapes.
    Her composition skills are outstanding just as exclaiming poetic languages. I recall what master Bohyeon Kim said in New York, “I like your figures. The colors are mature, and all yours. By the way, are you still looking at a model while painting?” In time, it was unimaginable to paint without looking at a model. His word was shocking. He meant to reveal from the hearth not by looking at an object. I am lucky since my parents are artists, and I am involved in painting too.



    “I don’t know how my paintings will go and change, but I would like to make the big canvas focus on one small point or line. I believe that this exhibition will be a turning point to me. I wish my dream to come back to nature can be realized said the artist.
    The abstraction style of artist Durye Kim represents the emerging of a new world of painting based on formation. Her father, who once was highly honored as an impressionism artist of light and colors, has remained in the circles of painting as the last fortification, senior, and witness of abstract painting. Now her daughter, artist Durye Kim turned to abstraction painting styles, which is a shocking but inspiring event in terms of the coexistence of art styles. In short, this is meaningful in terms of the reformation to join the trend of modern art. I hope the course of artist Durye Kim open a new prospect in the field.



  • 자연에의 감동으로 추상
    김두례 개인전에

    오광수 (미술평론가, 전 국립현대미술관 관장) - 2009

    김두례의 작가적 편력을 되돌아보았을 때 90년대는 주로 누드를 그렸는가 하면 그것이 점차로 인물과 자연에로 진전되어갔음을 파악할 수 있다. 누드나 인물이 갖는 닫혀진 실내의 공간에서 점차 열린 자연에로 진행되면서 보다 근원적인 변화가 추구된 것으로 보인다. 2000년대 전반까지만 하더라도 화면에 설명적인 인자들이 명멸되었었다. 집 또는 마을과 같은 구조물과 나무와 들녘과 산과 같은 자연경관이 화면 구석구석에 그 잔흔을 남기고 있음을 확인할 수 있다. 그러나 2000년대 후반 경에 오면 보다 단순한 색면의 추상에로 침잠되는 놀라운 변화의 내역을 목격하게 된다. 대개의 추상작가들이 자연에서 출발하면서 점진적인 해체와 종합의 과정을 거쳐 종내는 일체의 자연적 요소를 배제해가는 것이 통상적이다. 애초에 추상으로 시작하는 작가들과는 달리 자연에서 출발하는 추상작가들은 오랫동안 자연의 여운을 그들의 화면 속에 남기고 있는 것을 엿볼 수 있다. 김두례의 추상화과정에서도 이 같은 흔적들을 발견할 수 있다. 그럼에도 불구하고 그의 추상화과정이 다른 작가들의 경우와 비교해보았을 때 보다 대담하고 혁신적이란 인상을 지울 수 없다. 아마도 그것은 애초에 추상적 요인들을 배태하고 있었다는 어떤 필연과도 관계가 있지 않나본다.



    누드나 인물을 모티프로 한 일련의 90년대의 작품에서도 대상의 묘파에 충실하기보다는 대상을 부단히 뛰어넘는 조형논리가 화면을 지배하고 있음을 발견할 수 있다. 다시 말하면, 대상을 치밀하게 파고드는 묘사의 태도를 벗어나 색채가 만드는 조형의 아우라를 감동적으로 수용하고 있다는 것이다. 확실히 그는 형태보다도 색채의 감동에 이끌리는 작가라 할 수 있다.



    18세기 이후(신고전파와 낭만파의 대결 이후) 형태화가와 색채 화가의 분류법이 일반화되면서 형태 치중과 색채 치중의 작가들을 나누어서 보았다. 형태냐 색채냐는 물론 근원적이라기보다는 화가의 체질과 관련된 것이며 화가가 처한 환경과의 관계에서 일어나는 문제일뿐이다. 따라서 형태이어서 고루하고 색채여서 신선하다는 논리는 성립되지 않는다. 우리나라의 경우, 이 이분법을 적용한다면 대체로 남쪽 지방으로 갈수록 색채 화가의 분포가 많은 반면, 상대적으로 북으로 올라갈수록 형태에 집착하는 화가가 많다는 흥미로운 사실이 발견된다. 남쪽으로 갈수록 색채 화가가 많다는 것은 그만큼 자연이 주는 풍부한 감정이 지배적이기 때문이다.



    김두례의 구체적 모티프의 작품에서도 이미 풍부한 색채에의 감동이 형태를 압도해가는 형국을 엿볼 수 있었다. 그의 추상화의 도정이 색채의 감동적 충동에 의해 자연스럽게 이루어졌음을 말해준다. 그의 변화의 내역이 대담하고 혁신적이란 지적은 색채의 감동이 그만큼 화면을 폭넓게 지배하고 있기 때문이다.



    화면은 색채의 일정한 자율의 형식으로서 조용하게 번져나가는 여운을 준다. 과격한 제스처나 안료의 물질감이 주는 표현성보다는 화면 전체로 번져나가는 잔잔한 울림의 반향이 그지없이 고요한 정감을 자아내게 한다. 색면은 화면 가득히 넘쳐나는 넓이의 확대뿐만 아니라 안으로 잠겨드는 침참의 내밀한 깊이로 인해 더욱 명상의 세계에 잠기게 된다. 자연에 대한 작가의 깊은 사랑과 정감이 종내는 자연을 통해 인가의 심성이 저 깊은 고요의 물길에 가닿게 한 것이 아닌가 생각된다. 인간과 자연의 교감이 이처럼 고요한 명상의 세계로 인도하는 경우도 흔치 않을듯하다.



  • Abstract with the impression toward the nature
    On the occasion of individual of Kim, DuRye

    Oh, Kwang Su (Art Critic, former Director of National Museum of Contemporary Art, Korea) - 2009

    Looking back at the pilgrimage of Kim, Durye as an author, he mainly printed nude during 1990s and we can notice that it was gradually advanced to portraits and the nature. As it was progressed from closed indoor space which nude or portraits have to the opened nature, it seems like that more fundamental changes were pursued. Up to the first half of 2000, explanatory elements were glimmered on screens. It could confirm that remaining traces of structures such as house or villages and the natural sceneries such as trees, fields and mountains were found in every corner of screens. However, we become to observe surprising contents of changes in which he was submerged into abstract of more simple color surface during the last part of 2000s. Majority of authors started from the nature and it was customary that they excluded all natural elements at last through gradual dismantling and integration processes. Unlike authors starting from abstract in the beginning, we can notice that abstract authors, who started from the nature, maintained lingering tone of the nature for a long time in their screens. We can discover this kind of trace in the processes of abstract of Kim, Durye. Despite that, I cannot erase the impression that the process of his abstractionism is bolder and innovative compared to the cases of other authors. It seems that perhaps, it may be related to certain inevitability that he had origination of abstractive factors in the beginning.



    In his serial works with motif of nude or portraits during 1990s. we can discover that modeling logics, which ceaselessly jump over the objects instead of being faithful in delineating the objects, dominated screens. In other words, he impressively accommodates the harmony colors create by getting out of attitudes of searching for the objects with precision. Certainly, it can be said that he is an author to be led by impression of colors instead of shapes. After the 18th century (After confrontation between neo classical faction and romantic fraction), since classification methodology of shape artists became generalized and authors who inclined to shapes and who inclined to colors were divided. Of course, inclination to shapes or colors is related to physical constitution of artists instead of origination and is only issues generated from the relationship with the environment artists are positioned. Therefore, logics that it is bigotry because it is shape and it is fresh because it is color is not established. In case of Korea, if we apply this dichotomy, an interesting fact is found that there is lots of distribution of color artists in general the more we move toward the southern region while there are many artists who stick to shape comparatively when we move to the north. Reasons for more color artists as we move toward the south are because abundant emotion the nature provides is more dominant.



    In specific motif works of Kim, Durye, we could observe the situation that impression for abundant color is already overwhelming shapes. It tells us that his journey to abstractionism was naturally established by emotional impulse of colors. Pointing out that the contents of his changes are bold and innovative is because impression of colors dominates the screen as broadly as possible.



    Screens provide a lingering tone which spreads out silently in a constant voluntary form of colors. Reverberation of quiet peal spreading into the entire screen than the nature of expression provided by violent gesture or texture of pigment or paint creates extremely quiet emotion. Color surface makes us to submerge into the world of meditation further due to not only expansion of area overflowing screens bit also confidential depth submerging more toward the inside. It is believed that deep love as well as emotion of the author toward the nature makes us finally to reach to that deep stream of quietness inside of people through the nature. It may not be frequent that rapport between people and the nature leads us to this quiet world of meditation.




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